Avey Tare - Down There (2010)

Dave Portner (aka Avey Tare) nasceu no condado de Baltimore, Maryland, em 24 de abril no ano de 1979. Ele se mudou para New York City em 1997, onde reside até hoje no Brooklyn. Embora ele tenha passado a maior parte do tempo dele a escrever canções e produzir sons (normalmente para o grupo dele, o Animal Collective), também é um colecionador de discos, cinéfilo, e leitor exemplar além de um lunático viajante. É nestas coisas principalmente que o Sr. Portner retira inspiração, ainda com fôlego para misturar sons e descobrir territórios musicais que parecem estranhos. Seus animais preferidos são a lontra e o jacaré. 

A tarde tem desempenhado um grande papel em seu mais novo registro, Down There. O disco de Avey Tare resume-se num mundo de nove canções inéditas em que seu solo oficial completa uma importante tarefa no que diz respeito á versatilidade de Avey. Down There te leva por um mundo obscuro de som, um mundo alienígena onde a morte está presente através de ranhuras que penetram fundo na alma, um trabalho honesto e sobrenatural. 

Aguarde o pôr do sol e transforme-o em voz alta, pegue uma carona neste barco assombrado e deixe-se guiar através de profundos ritmos lentos e flutuantes que revelam um pop contemporâneo, cristalino e nítido. Down There teria sido inspirado por crocodilos (os répteis, não a banda de San Diego) e foi gravado no mês de junho desse ano pelo velho amigo de Avey, Josh Dibb ( Deakin) na Good House, uma antiga igreja em Nova York cercada por um grande pântano e visitada regularmente pelos monges, as viúvas brancas e o coachar incessante dos sapos. 

Em quase sete minutos de duração, a faixa de abertura "Laughing Hieroglyphic" leva o seu tempo mergulhando o ouvinte em diferentes camadas de som viajante levado por batidas eletrônicas, passando a letra "It’s so easy to get lost in the mixture", - parece apropriado. Se reverberando ou silenciado, Avey brinca com a voz ao mudar o papel tradicional de tocar a canção. O que realmente está sendo dito tem um papel secundário para os sons que as palavras criam.

 "Oliver Twist" continuamente constrói uma batida geralmente associada à casa. Mas assim como ela pega velocidade e potencial para se tornar dançante, o ritmo diminui e dispersa. “Lucky 1″ foi a música escolhida para divulgar o trabalho solo e como os fãs provavelmente vão notar, há uma boa semelhança com as faixas que Avey compôs para o álbum “Merriweather Post Pavilion”, do Animal Collective - em especial momentos mais “tortos” como “Lion In A Coma”.

Down There (como um todo) é muito coeso com cada transição, indo sem problemas para a faixa seguinte mantendo um ritmo constante e uma qualidade meio aquosa - como as criaturas reptilianas que inspiraram o trabalho. 


No entanto, enquanto não há um fio condutor do início ao fim, cada música intenta ainda transmitir algo diferente. No caminho em que alguns escritores adquirem um estilo inconfundível, Down There é sem dúvida o trabalho de um membro do Animal Collective. A séria quantidade de detalhes que são construídos em cada música e o modo como este se depara, não é completamente território desconhecido. Mas se você é ou não fã da banda, ao ouvir o álbum, terá uma idéia melhor do que Avey Tare traz para o coletivo.

Nota: 8,6

Crystal Fighters - Star Of Love (2010)

No que diz respeito ao falatório da imprensa, especula-se que o Crystal Fighters teria sido formado após a vocalista Laure descobrir em casa um insano diário de seu avô, já falecido. Este diário continha o esqueleto de uma ópera incompleta e ainda por cima sugeria o nome da banda que Laure formaria mais tarde. A jovem prometeu honrar a memória do avô através do recrutamento de um grupo para continuar o trabalho iniciado pelo ancião - um trabalho bem arrojado, diga-se de passagem.

É quase certo que toda a história por trás do Crystal Fighters é uma mentira, mas isso bate bem para a banda formada na garagem que tem a pretensão de ser um dos grupos mais repercutidos nos gráficos. A estreia do disco Star Of Love é tão colorida quanto o conto fantasioso narrado acima pela própria vocalista, mas a fusão dos gêneros tradicionais da música dançante de raiz européia agrega vários tons e não se mostra como uma ideia particularmente nova. Ou seja, é um pouco de rock batendo contra algo barulhento o bastante para sugerir alguma coisa distinta do que se tem feito até então.

A escuridão febril com a qual você provavelmente estará familiarizado após alguns minutos de audição, soará como se tivesse passado algum tempo nos pontos fashion do leste de Londres. É o que você pode ouvir na ótima "Champion Sound", uma canção que leva a melodia suave da arrancada de violões e tece um ritmo tão urbano que se assemelha a agitação das capitais. Assim como é evidentemente expresso nos festivos batuques de "Plage" - uma mistura entre Vampire Weekend e Kings Of Convenience.

Linguisticamente, os CF são brincalhões e muitas vezes redefinem a frase original ao longo de uma música, misturando-a à sintaxe simples mas eficaz - eles se movem em uma arena mais realista do que aparentam seus sons vocais. "At Home" tem percussão handclap e irreprimíveis simulações como as do flamenco, mas sua letra é um pouco molhada, dependente dos vocais femininos que se tornam muito polidos em relação às encarnações de seus colegas do sexo masculino. Melodicamente, "At Home" atrai influências como o ABBA, tanto no ajuntamento vocal quanto nas mudanças de acordes clássicos, o que torna a dança mais enérgica.

Mas as que parecem ser as ofertas mais fascinantes em Star of Love, no entanto, são as canções "With You" e "Follow", tomando-as primeiramente com a sua descendência ensurdecedora em basslines e dubsteps sintéticos que se encaixam perfeitamente dentro da serenata de violões espanhóis. "Follow" tem uma batida mais trance, usando táticas divergentes para cair fora de todos os elementos banais, além dos sintetizadores e vocais em crescimento contínuo de repetição, que tornam a canção bem interessante.

"Xtatic Truth", que foi lançada como single no ano passado pela Kitsuné - um rótulo que, aparentemente, existe com o único propósito de liberar músicas de atos conscientes das raves européias tão bem representadas na figura dos Crystal Fighters-, soa frenética e eufórica. Na verdade, soa muito parecida com o grande hit do quase decepcionante último registro dos Klaxons. Então há "I Love London", outro single anterior - notável para verificar o nome, mais precisamente o noroeste de Londres, posto de Willesden.

Star Of Love não é bem a estreia que justifica uma história tão ousada quanto aquela narrada por Laure sobre seu avô. Mas, em sequência, no meio do disco, é uma tentativa mal-avaliada de um hino que esbarra um pouco perto demais da música incidental em um desses comerciais que lotam as TV's. Mas também é uma certeza de que, esporadicamente, o primeiro tiro foi emocionante. Independentemente de como o louco avô de Laure realmente era, ele tem todo o direito de estar razoavelmente encantado com a forma como o trabalho da neta foi visto através do que se pretendia. E com razão...

Nota: 8,4

Sufjan Stevens - The Age Of Adz (2010)

Depois do deleite inicial com o EP All Delighted People lançado em agosto, você pode pensar que o seu conteúdo serve como uma lembrança simpática e humilde de canções que merecem ser ouvidas, mas que pertencem a um capítulo na vida artística de Stevens que ele precisava enfrentar para encerrá-lo. Em The Age Of Adz, talvez você pense a mesma coisa, mas estaria errado sobre isso. The Age Of Adz soa exatamente como tudo o que Stevens já gravou antes. A melodia forte e o fraseado trancados com arranjos sinfônicos e a alegre cacofonia de buzinas nos convida a relembrar álbuns como Come On Feel the Illinoise e Michigan, ainda envolto em uma camada de batidas e bleeps.

Sufjan Stevens sempre usou traços largos, mas nunca de forma mais eficaz do que emThe Age Of Adz. Não estou dizendo que este é um álbum excelente, pois tem um limite rígido e brilhante que fere o senso de eufonia de qualquer um. Além disso, faixas como "Bad Communication" não funcionam no todo. O foco insiste na dissonância enquanto ao fundo ecoa algo como o que um estudante de arte faria em seu laptop ao escrever um ensaio sobre o Surrealismo.

O disco é firme em detalhes melódicos como nos álbuns anteriores mas tem uma infinidade de encantos. Em Adz, você pode encontrar o mesmo tipo de harmonias corais encontrados num musical do Mágico de Oz ou outros filmes da mesma época, deliciosamente imaginados como os ritmos de um ônibus escolar que dá solavancos e o uso comedido e incomum de dissonância permanente. A ideia original por trás doprog rock costumeiro, foi elevar o rock a um novo nível de credibilidade artística como em "All for Myself", uma canção que varre através de movimentos como uma sinfonia. "Futile Devices" é a cereja do bolo; ecoa nos translúcidos vocais e em doces dedilhados que induzem ao sonho, tornando-se o principal atrativo do álbum.

"Too Much" é a estranha da vez. Cheia de reverbs e batidas ocas como o som de um pica pau insistente na madeira, essa canção é uma indigesta prova das habilidades excêntricas de Stevens. "Age of Adz" é outro produto pouco usual saído do repertório experimental do cantor. "I Walked" conta com o tom operístico, característica marcante no currículo de Stevens e "Now That I'm Older" é balanceada entre cadência monótona e coral, enquanto que "Get Real Get Right" (depois de desgastada audição do resto do disco), não apresenta lá grandes inovações. "Vesuvius" é comedida, bela e destoa da alquimia moderna e confusa de "I Want To Be Well" e "Impossible Soul" - esta última faria bonito num remix dançante.

Para quem esperava por The Age Of Adz como mais um item para complementar a famosa lista de melhores do ano, talvez acabe por se decepcionar. Não é um trabalho ruim, mas previsível e repetitivo que se utiliza de táticas confusas para chamar atenção. Como já havia questionado em um post anterior, o que leva alguém com uma voz tão linda e uma criatividade fantástica como Sufjan Stevens a consumir-se em canções estranhas e distanciar-se tanto de suas obras primas (leia-se Illinois e Seven Swans)? Cada qual com seus motivos, Stevens continua a ser ainda um gênio pouco funcional para os dias de hoje e não passa disso.

Deerhunter - Halcyon Digest (2010)

Bradford Cox e seu Deerhuntertêm usado uma variedade impressionante de ideias e uma estética instrumental contemporânea para expressar sua ansiedade e alienação, todos sob a forma de canções pop em álbuns concebidos para serem mais do que a soma de suas partes. Além disso, eles absorveram os "UK ícones" do rock como ninguém - abraçando os anos 50 e o pop dos anos 60 intensamente.

Em Halcyon Digest, a banda entra em sua própria sintonia, aplicando suas próprias perspectivas inspiradas e uma sensibilidade distinta, desoladamente apelando para tudo engrenar em ideias inovadoras para movê-los. E essas ideias embarcam em parte do conjunto de músicas lânguidas que determinam os primeiros e últimos momentos do álbum e de quebra conduzem o disco de maneira muito mais ambiente, em interlúdios divididos. Só que desta vez, a calmaria dura apenas 10 minutos e a sua estrutura é bem mais acessível.

O Deerhunter tem uma extensa e bonita carreira para demonstrar e quanto mais você escutar seu último lançamento, mais recompensas você terá. Variando do translúcidopsycho-pop-rock de garagem, eles estão alternadamente assegurados e vulneráveis, direta e sutilmente como claro no escuro. Suas repetições planejadas a dedo variam entre a linha habitual, ganchos lo-fi e o hipnotismo com deslocamentos pop nos melodiosos anos 60 dosados com dopamina e surtos. Quanto ao título do álbum, Coxexplicou:

"[Halcyon Digest] é uma referência a um conjunto de boas lembranças e até as que foram inventadas, como a minha amizade com Wilson Ricky ou o fato de que eu vivo em uma fábrica abandonada. A maneira como escrever, reescrever e editar nossas lembranças para ser uma versão de digerir o que quer."

Cox é uma personalidade colorida e carismática, aquele que empurra os limites de entrevistas e brincadeiras no palco; mas no final do dia, a música do Deerhunter é dos anos 80 e 90 soando um indie mais nostálgico (o mesmo poderia se dizer para o abstrato Atlas Sound). É parte da razão que atinge tantas cordas com um público tão diversificado. Ele faz um ótimo trabalho de reprocessamento (e digerir) os sons do passado através de sua estética colagista própria.

Retomando a ausência reverberante de Cox, ela se faz bem expressiva na faixa de abertura do disco, "Earthquake". A cadência confusa e os vocais distantes não só vão contribuir para a beleza das outras faixas mas também fundir o lirismo na maioria das vezes sensível e expressivo da banda com a estética da ambientação etérea e sensual, sendo estes dois atributos a principal condução para "Sailing" - rica em melancolia e solidão que transbordam num adocicado e honesto lamento de uma vida fustigada pelo cansaço.

Em contraposição, "Memory Boy" é toda satisfação dentro de seu domínio festivo, mas nunca explosivo. "Desire Lines" transmite uma pressa psicodélica que é um verdadeiro achado no currículo da banda e ainda assim, o som é exuberante, em camadas. E o que falta em rock, torna-se propício para fones de ouvido em um ambiente tranquilo. Quando dizemos que a estética de Cox tende a olhar para trás, não é concebida como um pejorativo. Halcyon Digest é um álbum maravilhoso e Cox tem um dom para despejar material polido em nostalgia mais que sincera.

Quanto à nostalgia, é o tema mais rico aqui. A faixa "Revival" soa como a trilha sonora para uma dança da High School dos anos 50. O mesmo vale para "Don't Cry", que poderá igualmente funcionar como uma canção do Girls."Basement Scene" intencionalmente acena para a calmaria dos ensolarados primórdios da banda enquanto o single "Helicopter" é uma colagem pop muito bem sacada. "Fountain Stairs" possui a subjugada rebeldia do Deerhunter e "Coronado" destaca-se pelo seu saxofone. A partir de todos estes elementos que destilam o "psych spacey" característico, de alguma forma soa como canções que Cox gravou sozinho em seu quarto.

Na medida do clímax, a coleção se encerra com seu bonito momento em "He Would Have Laughed", um brilhante looping de 7 minutos dedicado ao falecido Jay Reatardque se distingue como parte de alguma canção do Magnetic Fields; parte eletro-barroco até a batida que soa como o que Cox vem fazendo nos shows do Atlas Sound ao vivo recentemente.

Ninguém pode saber, mas secretamente, Halcyon Digest nada mais é que uma folha lacônica e bonita de uma das páginas do diário de um atônito Bradford Cox que se desprendeu do restante e agora eterniza um happening.

Nota: 9,4

The Tallest Man On Earth - Sometimes the Blues is Just a Passing Bird (2010)

Este ano, como uma sequela ou um satélite, o homem mais alto da Terra nos apresentou o segundo disco dele, The Wild Hunt, e agora traz á tona um novo EP. Sometimes the Blues is Just a Passing Bird, é uma declaração mais que sincera desse excêntrico trovador. Enquanto muitos LP/EPs e round-up pós-sessão privilegiam as mesmas faixas ou as mesmas experiências de estúdio para os fãs obstinados, estas cinco canções folclóricas austeras foram escritas na estrada e gravadas durante uma pausa da turnê recente. 

Essas canções são indiscutivelmente mais altas, marcadas pela vulnerabilidade de Kristian Matsson e pelo coaxar de sua voz estridente. A complexidade de seu trabalho de guitarra e seu ar pensativo fraturou letras, muitas vezes inspiradas, aparentemente, por sua Suécia natal - mais especificamente a região montanhosa de Dalarna, no noroeste de Estocolmo. E ainda, apesar de os mesmos elementos, em Blues há um personagem muito diferente de The Wild Hunt. É ligeiramente mais escuro, ferido, silenciado e meditativo, sem o alarde do segundo disco. Embora de alcance limitado no tom, o EP permite a Matsson explorar de um modo particular uma cor primária em sua paleta, um blues melancólico que define e permeia todas as canções aqui.

Sem se tornar, no entanto, sisudo ou desagradável ou fazer canções da moda, Matsson tira ganchos de poesia em qualquer coisa, seja em pedras e galhos e tudo aquilo que ele encontra ao longo da trilha. "Little River" abre o EP com curvas melódicas em um rabisco, um desejo jogado em um poço. Ela é honesta como registrar uma "queda de sonhar com coisas como um pequeno rio no chão de ouro". Da mesma forma, "The Dreamer", cuja letra dá ao EP o seu título, se transforma em um elegante melodia cheia de modéstia e obstinação. É, talvez, mais notável por ser o primeiro e até agora, o único homem que canta mais alto apenas para caracterizar a guitarra elétrica e o soco daqueles dedilhados ressonantes ecoam abrupta e surpreendentemente como um simples folk introspectivo ligado e ressonante.

Essa música especialmente gritante amplia o som de Matsson, que enfatiza a interação sutil entre voz e instrumentos de cordas. As notas de fragmentação que se abrem em "Like a Wheel" (que foi fechando os shows ao vivo nos últimos tempos) dão lugar a alguns de seus mais ternos vocais, enquanto em "Thrown Right At Me" é tão tranquila que soa como se ele pudesse escapar a qualquer momento, e sua forma de tocar é tão silenciosa e hesitante que a música é praticamente a cappella. Do início ao fim, Blues é tão pensativo e cuidadosamente construído como qualquer um dos álbuns de Matsson, revelando as nuances de seu som e colocando sutilmente uma pequena mentira para a noção de que ele precisa de nada além de sua voz para resistir e bater em sua guitarra.

Nota: 8,6

The Tallest Man on Earth - The Wild Hunt (2010)

Comparações com Bob Dylan têm sido feitas a Kristian Matsson ao longo de sua curta carreira como "o homem mais alto do planeta". Em 2006, seu auto-intitulado EP apresenta um cantor com um coaxar familiar, um compositor com uma sensibilidade revival-folk, e um guitarrista com um estilo ágil e dedilhado impressionante. No ano seguinte, sua estréia no longa-metragem, Shallow Grave, expandiu ideias, enfatizando plenamente e lindamente canções evocativas. The Wild Hunt, o segundo álbum do homem mais alto do planeta e o primeiro álbum pela Dead Oceans, faz alguns acenos para Dylan em sua fase mais significativa e deu à luz - incluindo uma referência à "botas de couro espanhol" em "King of Spain". 

Finalmente, embora, Matsson interprete Dylan, assim como o próprio Dylan interpretou Guthrie. Mais ao ponto, Matsson o traduz  para os campos escandinavos, onde ele canta sobre a mudança de estações e solitário lugares longe das cidades. Suas letras são ásperas e irregulares, muitas vezes, mais preocupado com a dor que evoca emoções do que fazer sentido explícito. Mas esse aspecto codificado apenas faz um som mais urgente, como se ele estivesse tentando convencê-lo de algo que não poderia ser representado em palavras.

Tal como aconteceu com álbuns anteriores, The Wild Hunt apresenta principalmente voz e violão, e neste austero ambiente íntimo - onde o banjo na faixa título soa como uma indulgência - Matsson persuade uma vasta gama de cores de uma paleta limitada, que é o caso do feeling em "You're Going Back" ou a exuberância de "King of Spain". Sua terra no sul da tradição norte-americana é aparente: Embora não seja um músico de blues, por si só, Matsson tira lições importantes dos gostos de Mississippi John Hurt e Bukka White ao perceber que sua guitarra fala tão alto e tão claramente quanto ele.

Sua reprodução é sofisticada, mas nunca exibicionista, alternando entre um violão ágil e o forte gosto enraizado pelo folk quase "primitivo". Se, devido à sua afinação ou a sua produção há algo claro e expectante sobre suas músicas, de modo que, mesmo na sua maioria abandonados, como em "Love Is All" ou "The Drying of the Lawns ", jogando Matsson da guitarra e dando assim uma esperança certa que suavemente destila tons dos mais diferentes para as músicas. Quando ele muda para um piano velho e surrado sobre o hino adolescente" Kids on the Run ", o efeito não é diminuído, mas ampliado, como um instrumento que repercute inquieto. Este é um momento inesperado e todo feito em cores que vieram antes dele, e Matsson pinta como um artista singular e distintivo.

Como cantor, ele se tornou muito mais confiante e capaz, usando esse astuto e limitado "croak" enganosamente com mais nuances e sutileza. O gancho de soluço em "Love Is All" soa como um ruído alegre, apesar da tentativa de mudar o tom da música e, a crueza de sua voz se presta à gravidade das acusações de "You're Going Back". 

Por outro lado, Matsson soa generoso sobre "Troubles Will Be Gone", quando ele canta, "O dia nunca é feito, ainda há uma luz sobre onde dormir, então eu espero que um dia seus problemas sejam eliminados". Matsson é um tanto romântico e realista e em Wild Hunt, ele usa lições do folk-pop como configurações para dar momentos mundanos - um outro break-up, uma outra excursão, uma outra mudança de estação, outra comparação á Dylan; uma grandeza tão desproporcional que não é difícil identificar e simpatizar com ele. 

Nota: 9,5

Hurts - Happiness (2010)

Dentre todas as surpresas dançantes, pegajosas, monocromáticas e "cool" deste ano, o duo britânico formado porTheo Hutchcraft eAdam Anderson, mais conhecido como Hurts, foi de longe o destaque da minha playlist. Os sofisticados rapazes são responsáveis por uma sonoridadeeletrônica típica dosanos 80.

Desde já, os caras foram considerados pela BBC como "som próspero" para 2010. O estilo musical da dupla carrega referências dos anos 80, comoTears For Fears, Depeche Mode e também Pet Shop Boys – tecladinho eletrônico retrô e letras emocionalmente sinceras. Não espere ver dois caras agitados ou visualmente coloridos no palco; ternos e expressões blasé são tudo o que você irá encontrar no Hurts. A sonoridade não me deixa mentir. É dançante? É. É para se acabar na dancefloor? Talvez. Há casos e casos.

O esperado (pelo menos por mim) álbum de estreia batizado Happiness, traduz ao ouvinte um sentimento de prazer e felicidade comedida, como indica o título. Para um debut, o álbum não faz feio e logo de cara traz ótimas músicas. É o caso de "Silver Lining", sempre num ritmo crescente - marchando quase ruidosa até estourar o lindo refrão. Logo em seguida a esgotada "Wonderful Life", que já caiu há tempos no gosto dos moderninhos de plantão e foi lançada num EP de remixes... é a mais dançante do álbum e seria boa se não tivéssemos enjoado de tanto escutá-la.

"Blood, Tears & Gold" é épica e desde o ínicio pode-se perceber o tom transcendental que ela ecoa - para ouvir no repeat até cansar. "Sunday" é climática do começo ao fim (entenda isso como desejar). "Stay" é a multi-instrumental do disco; tem coral feminino, piano, e até saxofone. "Illuminated" segue a linha épica de "Blood, Tears & Gold" e é um destaque do disco. " Evelyn" é bem lacônica... quem será Evelyn?

"Better Than Love" é o segundo single do álbum e foi lançada num EP com a maravilhosa "Mother Nature", sua b-side. "Devotion" conta com a participação da cantora pop Kylie Minogue e não poderia deixar de se tornar uma baladinha daquelas para tocar nas rádios. "Unspoken" também faz o estilo balada melancólica da faixa anterior e é uma das melhores faixas do disco, que encerra o setlist com a maravilhosa "The Water", na minha opinião, a melhor música do Hurts - é o que dizem, o melhor sempre fica para o final e não posso deixar de dizer que me surpreendi muito com o tom contemplativo dessa triste canção. E não se esqueça da faixa escondida do álbum, "Verona" - uma cancioneta boêmia que passa a impressão de que o Hurts chamou alguns amigos e cairam na noite bêbados cantando aos coros: "Verona, Verona, Verona!"

O Hurts ainda é apenas uma aposta como tantos outros foram um dia. Se irão se consolidar, só o tempo dirá. Porém, a inegável qualidade presente nas letras, arranjos e inspirações fashion surpreendem, não só pela magnitude de seus responsáveis, mas também pela ótima fase que vivenciamos da música eletrônica calcada nas bases da época oitentista onde de tudo fez-se um pouco. Então, façam suas apostas e não se preocupem: dessa ninguém sairá ferido.

Nota: 7,0